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Picard’ 1×04 — ‘La verdad absoluta’

La culpa que Picard siente por haber abandonado a todos aquellos romulanos a los que había prometido rescatar es uno de los principales motores del personaje en Star Trek: Picard. Le consumen los remordimientos, tener el convencimiento de que no hizo todo lo que estaba en su mano para cumplir su promesa de salvarlos a todos. Su sentido del deber, de que su palabra tiene valor, le causó más dolor que otra cosa en esa década que estuvo retirado (escondido en sus viñedos, más bien) y ahora es lo que lo impulsa a averiguar qué hay realmente detrás de Dahj.

De su hermana en el cubo Borg tenemos poquitos avances en su trama con Narek y su confusión por haber sido llamada la Destructora. Soji va a acabar averiguándolo todo, por supuesto, pero aún no ha llegado el momento de hacerlo, así que lo más interesante está en esa nave del capitán Ríos, con Santiago Cabrera divirtiéndose a tope con todas las versiones del holograma de asistencia y con Patrick Stewart y Michelle Hurd desarrollando una dinámica que nos hace añorar haberlos visto alguna vez juntos en el puente de mando de la Enterprise.

La parada en el planeta Vashti no sólo es el viejo truco para demorar un poco el encuentro con Bruce Maddox, sino que también permite a la serie profundizar un poco más en las consecuencias de aquel rescate fallido. Los grandes discursos de Picard, sus promesas y sus intentos de que la Federación aprobara su plan afectaron muy directamente a los miles de personas desplazadas para huir de la explosión de una supernova, sí, pero a las que se abandonó a su suerte después.

El ex almirante es consciente de ello, pero más como algo abstracto, intelectual. En Vahsti se da cuenta de lo realmente terrible que fue no sólo que la Flota Estelar decidiera no ayudar a los romulanos, sino que él optara por un ultimátum de “o todos o ninguno” que fue completamente fútil. Picard acabó fuera de la Flota y los romulanos, fastidiados y rumiando nuevos rencores.

(Fuente: Amazon)

El titulo del capítulo, La verdad absoluta, hace referencia a esos principios de honestidad brutal y sin filtro por los que se rigen las monjas guerreras romulanas, pero también habla de la mirada que Picard debe dirigir hacia sí mismo, una que sea honesta con sus equivocaciones, con sus motivaciones para lanzarse de nuevo al espacio y con sus propios principios.

La entrada en acción de Elnor, el espadachín romulano, pone el espectáculo en el episodio y también nos trae al clásico personaje de Star Trek que tiene que aprender a ser más flexible en sus convicciones, a manejar mejor sus sentimientos, un poco como el viaje que hizo Siete de Nueve en Star Trek: Voyager. De ella ya hablaremos en el próximo episodio, porque aquí es simplemente la sorpresa reservada para la última escena.

Picard mantiene su línea de extrema serialización de la trama, incluso aunque dé estas digresiones, también muy típicas del género. La nueva tripulación empieza a encajar bastante bien y, aunque la parte en el cubo Borg ha tenido poca tela que cortar, la curiosidad por saber qué ocurrió con esa nave romulana está ahí. Pero lo que estamos deseando ver es el papel que va a jugar Siete de Nueve, porque su reacción al ver al almirante no ha sido especialmente alegre.

Un nuevo podcast de Fuera de Series en el que C.J. Navas y Dani Simón repasarán cada uno de los episodios de la serie de Star Trek en curso. Puedes suscribirte ya en iVoox, Apple Podcast, Spotify o en el canal de YouTube de Fuera de Series.

‘Star Trek: Picard’ está disponible todos los viernes en Amazon Prime Video.

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19 grandes películas y series que desmontan el mito del amor romántico de Hollywood

El cine lleva más de un siglo enseñándonos a amar. Durante décadas, la máquina de los sueños (Hollywood en mayor medida) ha expandido una idea del amor romántico que conquistó a varias generaciones que aún ahora celebran el día del cupido más convencional, pero hoy, con el nuevo milenio bien entrado, nos cuestionamos esas relaciones tan establecidas en nuestro ideario.

Para celebrar que otras formas de amor son posibles, echamos un vistazo a la ficción actual y hacemos una selección ecléctica de cinematografía y series de televisión que reflexionan sobre ese sentimiento universal y a la vez tan único y personal que es amar.

‘10.000km’ (2014), de Carlos Marques-Marcet

Captando la esencia de la juventud desmovilizada actual como nadie y enclavada en un contexto aún vigente de escape y búsqueda de nuevas vías de satisfacción personal y profesional más allá de las fronteras y limitaciones dadas, la ópera prima de Marques-Marcet, si bien agridulce, es un canto al entendimiento de la pareja bajo el prisma de un milenio que ha marcado irremediablemente a toda una generación.

Hastiada de la falta de oportunidades en su adorada Barcelona, Alex (Natalia Tena) emprende un viaje a Los Angeles que cambiará su futuro como fotógrafa y de paso las bases de su relación con Sergi (David Verdaguer), que quedará atrás ante la perspectiva de progreso de la mujer a la que ama.

‘Langosta’ (‘The Lobster’, 2015), de Yorgos Lanthimos

El realizador griego, que acumula todo tipo de nominaciones con ‘La favorita’, (2018), en la que se adentra en la corte inglesa donde las relaciones de poder se asientan sobre un triángulo de amor lésbico, en realidad siempre ha reflexionado sobre las relaciones de afecto, sexo, pasión y obligación en el contexto de una sociedad siempre desquiciada y hasta cierto punto patética.

En 2015, ‘Langosta’ partía de una premisa distópica en una sociedad en la que todo individuo tenía cabida únicamente en pareja. Encerrados en un resort de lujo, los participantes solteros debían encontrar un compañero de vida con quien incorporarse a la vida social o de lo contrario pasarían el resto de sus días convertidos en un animal de su elección. Una reflexión brillante y de precisión y frialdad quirúrgicas sobre el encaje de la individualidad y la presión popular en la configuración de la idea de pareja.

‘Her’ (2013), de Spike Jonze

En un mundo también distópico, aunque en realidad representación naturalista de un futuro no muy lejano, ‘Her’ desnuda una historia de amor entre un adulto solitario y su sistema operativo móvil, paradójicamente capturando de forma magistral una alta carga emocional entre dos “individuos” a los que jamás veremos juntos.

Lo de Jonze es un milagro con alma en una era digital con tendencia a la deshumanización. Con la acertada y altamente reconocible voz de Scarlett Johansson y maravillosamente acompañado de Amy Adams y Rooney Mara, un estupendo y nunca visto antes Joaquin Phoenix firma, sin duda, la actuación más tierna de su carrera.

‘Lost in Translation’ (2003), de Sofia Coppola

También Scarlett Johansson protagoniza de forma hipnótica y a la vez inteligente otra de las historias románticas del cambio de milenio. Basada en un Japón hipermoderno, urbano y avanzado, al tiempo que frío y hostil, dos visitantes americanos (protagonismo compartido con Bill Murray) se encuentran entre la impersonalidad de un hotel de Tokio para rescatarse de una estancia solitaria e incomprendida entre la inmensidad de un país que, aunque familiar, suena completamente ajeno a ellos.

Serie ‘Love’ (2016-2018)

El siempre peculiar Judd Apatow firma con ‘Love’ una de las obras maestras de las relaciones contemporáneas en su retrato de una pareja desmembrada y torpe, cuyos protagonistas deben más atender sus propios problemas antes de compartirse con el otro.

Una brillante captura de la esencia millennial y el universo que rodea a toda una generación en constante puesta en entredicho, representado de forma sencilla y divertida por un magnífico reparto, tan particular y contradictorio como sus propias ideas. De ésas para el visionado en bucle, una de las mejores comedias románticas de Netflix.

Serie ‘Dates’ (2013)

La de Channel 4 (Reino Unido), fue una miniserie original de 9 capítulos desarrollada sobre la perspectiva del primer encuentro a ciegas de una potencial pareja que se había conocido a través de una aplicación de mensajería móvil. A partir de una serie de cuestiones en ocasiones torpes o prejuiciosas, aunque ciertamente humanas, cada uno de estos capítulos cortos parte de forma ingeniosa y ágil de un formato cíclico para acabar dotando a sus personajes de un desarrollo profundo y naturalista a través del diálogo.

Una premisa extrapolable a una amplia base de la sociedad occidental actual y altamente exportable, como se comprobó con adaptaciones como la de TV3 en ‘Cites’ (2015-2016).

Serie ‘Please Like Me’ (2013-2016)

Más allá de exageraciones, el australiano Josh Thomas protagoniza, escribe y dirige la mejor comedia dramática romántica de los últimos tiempos. Con un tono ácidamente divertido, irónico, cáustico, crudo y directo, altamente inteligente y sutil, y siempre basado en el diálogo y los comportamientos orgánicos de unos personajes con pocos filtros, este talento natural perfila la realidad cotidiana de un grupo de amigos que comparte juventud, amores y desamores, dudas y reflexiones en los suburbios de alguna ciudad australiana.

Su carácter totalmente único, unido a la universalidad de sus personajes, la convierten en una de las series imprescindibles como retrato generacional.

‘María y los demás’ (2016), de Nely Reguera

Pensar en la juventud actual en España es pensar en eso de que “los treinta son los nuevos veinte”, y también en un nuevo cine español desarrollado al margen. Muchas son las obras recientes que analizan las formas de relación entre adultos atrapados en condiciones precarias más propias de la tierna juventud, que compaginan la ambición de unas aspiraciones que parecen no llegar nunca con la idea de movimiento continuo y búsqueda, por oposición al asentamiento de sus predecesores.

La ópera prima de Nely Reguera se centra en los treinta de una mujer soltera (una Bárbara Lennie enorme que trasciende la pantalla), que mantiene relaciones esporádicas con un separado más centrado en sus hijas pequeñas que en cualquier otra idea romántica. Una mujer moderna y culta, sin embargo atrapada por la presión de una sociedad que se empeña en recordarle que llega tarde en todas las facetas de su vida. Un retrato tan amargo como auténtico y digno de reivindicar en cuanto a que parte significante y representativa de nuestros tiempos.

‘Frances Ha’ (2012), de Noah Baumbach

También constituye un relato generacional el film de Baumbach, coescrito y protagonizado por una de las responsables del relevo del cine independiente americano, Greta Gerwig, que en la piel de Frances representaba la angustia de sentirse una chica demasiado joven para ser una mujer adulta y demasiado mayor para jugar a no serlo.

Heredada de los nuevos cines europeos del siglo anterior, ‘Frances Ha’ es una historia de búsqueda y una oda de amor no convencional. Oda a perderse y encontrarse, oda a Nueva York con reminiscencias del París de la Nouvelle Vague, una oda de amor a la amistad, la cultura, a la vida y a uno mismo.

‘Guy and Madeline on a Park Bench’ (2009), de Damien Chazelle

Con un buen número de referencias clásicas detrás, muchos tomaron ‘La La Land’ como el musical romántico definitivo, a pesar de su poso tremendamente amargo y retorcido que desmontaba desde el interior una idea construida por los grandes estudios durante décadas.

Sin embargo, un primer Damien Chazelle fuertemente inspirado por los mismos nuevos cines que otros de sus compañeros de generación anteriormente mencionados, firmaba la verdadera obra romántica de su carrera en su iniciática ‘Guy and Madeline on a Park Bench’.

Aquélla, que comparte temas e ideas musicales con su más reciente éxito hollywoodiense, seguía en blanco y negro el vagabundear de dos personajes erráticos en su concepción de la vida y el amor. Carismática y encantadora, vibrante en su puesta en escena con un enorme ritmo en su filmación autoral de la música y el amor (por ella y entre ella), que atrapa el alma del enamoramiento.

‘La reconquista’ (2016), de Jonás Trueba

Con ese aire nostálgico y mágico heredado de una biblioteca plagada de referencias al cine francés de los 60 y 70, Jonás Trueba aborda sus películas como la extracción de un pedazo de alma cinéfila. Su habitual poema de amor al cine, presente a lo largo de toda su obra, donde destaca la magnífica ‘Los ilusos’ (2013) —que además constituye una declaración de amor a las calles de Madrid—, cristaliza de forma romántica en una pareja rota y extrañada que se reencuentra tras años de caminos separados.

La ilusión perdida y desenterrada en un encuentro único en un presente que no cabía en su futuro, convierte un deseo platónico reencontrado en un amor difícilmente categorizable. Profundamente emocional y construida sobre el amor incondicional hacia unos personajes sensibles y extraordinariamente humanos.

‘Deseando amar’ (‘In the Mood for Love’, 2000), de Wong Kar Wai

Si hablamos en términos platónicos, de sutilidad y gestos contenidos, los asiáticos son maestros. Con el cambio de milenio, muchas fueron las voces que sobresalían sobre el desarrollo imparable de los gigantes orientales y que reivindicaban una re-humanización de una sociedad perdida.

De los muchos ejemplos, destacamos una de las grandes obras de Wong Kar Wai, una historia de amor platónico y prohibido de pequeños gestos e increíble lirismo. Atados ante las miradas de una sociedad escrutadora y frente a la sospecha de infidelidad sobre sus respectivos matrimonios, la pareja iniciará una intensa relación de amistad con tal carga emocional que quita el aliento.

‘En otro país’ (‘In Another Country’, 2012), de Hong Sang Soo

Mención aparte merece el prolífico coreano que firma al menos una obra anual, donde el amor y las relaciones de pareja, así como las infidelidades, suelen ser centro de su atención cinéfila. La de 2012, era una historia dividida en tres donde sus personajes se barajaban y reordenaban al comienzo de cada partida, conformando una reflexión mayor sobre la construcción del relato y sus múltiples posibilidades dependiendo de los matices.

Isabelle Hupert encarna tres personajes posibles sobre una turista francesa perdida en la costa coreana, todas ellas movidas por una relación de amor entre dos culturas.

‘Leto’ (2018), de Kirill Serebrennikov

Lejos en tiempo y espacio de las nuevas olas tanto europeas como americana, pero con el mismo espíritu revolucionario, esta obra poco categorizable rusa contempla el verano rebelde de un grupo de rockeros en tiempos de Guerra Fría.

Construida casi en clave de musical punk y rodada en un técnicamente admirable y perfeccionista blanco y negro, el film retrata la escena musical underground de la URSS a través de la coexistencia de dos bandas rock, cuyos vocalistas, más allá de su amor por la música y el activismo, comparten sentimientos amorosos por la mujer de uno de ellos. Una relación basada en el diálogo y la honestidad donde cariño, pasión y admiración se confunden y entremezclan con los himnos de su propia revolución personal.

‘Cold War’ (2018), de Pawel Pawlikowski

Todavía bajo el telón de una asfixiante Guerra Fría, se enmarca el más apasionado amor cinematográfico del aclamado realizador polaco. La gran sensación del pasado año, es un drama romántico de dimensiones épicas y formas sencillas, en tiempos en los que amar sólo era posible si implicaba la patria. Un precioso romance en fuga, una historia de encuentros y desencuentros en busca del aquí y el ahora de una unión que se antoja imposible entre las ruinas de una Polonia desolada y sometida al abuso de poder, que marcaría a toda una generación condenada a sobrevivir a cualquier precio.

Una fascinante puesta en escena, de la que música y fotografía son especialmente remarcables, y el desbordante talento de Joanna Kulig junto a un cautivador Tomasz Kot, hacen de ‘Cold War’ una película inolvidable en la que quedarse a vivir.

‘Floating Skyscrapers’ (2013), de Tomasz Wasilewski

No tan lejos de esa Rusia revolucionaria, el director polaco Tomasz Wasilewski, levantaba la voz en 2013 contra los tremendos abusos y la represión que sufre la comunidad gay en un país conservador y predominantemente católico, con este film sobre un chico homosexual atrapado en una relación heterosexual por inercia, pero sobre todo por miedo a las represalias.

Cuando el protagonista, un nadador excelente con un futuro prometedor, conoce al chico con el que experimentará su verdadero despertar amoroso y sexual, tendrá que afrontar no solo sus propios miedos y dudas sino toda una amenaza social que, respaldada por una moral colectiva, pondrá en peligro incluso su integridad física. Un relato militante, pero sobre todo afectuoso y tierno del renacer romántico.

‘120 Pulsaciones por minuto’ (2017), de Robin Campillo

También desde el activismo desarrolla Robin Campillo esta historia de amor profundo y sobre todo amistad incondicional entre los chicos y chicas de la comunidad gay parisina terriblemente devastada por la epidemia del sida a principios de los años 90.

Un sentimiento de amor y solidaridad que generó la semilla del movimiento Act Up como medida de presión para persuadir a Estado y farmacéuticas de la urgencia en la búsqueda de una cura, al tiempo que sensibilizar a la población ante un virus que parecía imparable. Nahuel Pérez Biscayart deslumbra en su personal historia de amor en un contexto donde enfermedad y muerte proyectan una larga sombra.

‘El amor es extraño’ (‘Love is Strange’, 2014), de Ira Sachs

George (Alfred Molina) y Ben (John Lithgow) han pasado la vida juntos. Llevan viviendo bajo el mismo techo desde mucho antes de que puedan siquiera recordar, en medio de una intensa actividad social y artística, envueltos en una relación honesta, tolerante y reposada que es querida y admirada por todos cuantos les conocen. Hasta que deciden casarse.

El ejercicio de ese derecho por razones puramente administrativas impone el despido de George de su puesto de trabajo como profesor de música en una escuela católica, en la que su relación era abiertamente conocida. A su vejez, George y Ben se encuentran inmersos en una revaluación de una relación prácticamente vitalicia y ante la tragedia de afrontar cuestiones que creían ampliamente superadas.

‘Gloria’ (2013), de Sebastián Lelio

El chileno Sebastián Lelio deslumbrada en 2013 con un fascinante retrato de una mujer separada en plena madurez. Interpretada por una arrebatadora Paulina García, que acapara en gran medida la esencia hipnótica del film, ‘Gloria’ nos muestra el renacer sexual y afectivo de una mujer que finalmente se libera de la constante represión que la ha acompañado durante toda su vida. Un perfil único en una etapa vital raramente representada en el cine.

Tras esta deslumbrante historia de fortaleza femenina en la vejez, Lelio regresaba en 2017 con otro de sus grandes éxitos (el que le valdría el Oscar), ‘Una mujer fantástica’. De nuevo una historia de amor no convencional, en la que una mujer transexual se enfrenta a las cadenas morales de una sociedad que no comprende su amor genuino por el hombre con el que compartía su vida. Amor y pérdida tratan de encontrar su lugar en el encaje con la propia identidad.

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La recogida de firmas para «echar» a Amber Heard de ‘Aquaman 2’ explota tras el audio filtrado

El enfrentamiento entre Amber Heard y Johnny Depp parece no tener fin. Mientras siguen pleiteando en los juzgados, también se libra una batalla en redes sociales entre los fans de los actores. A principios de este mes de febrero se filtró un audio en el que Heard presuntamente admitía durante una sesión de terapia en 2015 haber pegado a su entonces marido. Esto propició que #JusticeforJohnnyDepp se convirtiese en trending topic. Ahora CinemaBlend informa de que, a raíz de este audio, las firmas para echar a la actriz de ‘Aquaman 2‘ han subido como la espuma.

Ya informábamos en el mes de noviembre de que los fans de Depp no paraban de recoger firmas para que Warner despidiese a Heard de la secuela de ‘Aquaman‘. Ahora, tres meses después, el número ha incrementado exponencialmente después de que se filtrase un audio en el que la actriz reconocería haber pegado al que fue marido. Si por aquel entonces contaba con más de 35.000 firmas, en este instante ya ha superado las 314.000.

Por otro lado, esos mismos fans han creado otra petición en Change.org en la que se pide el regreso de Depp como el Capitán Jack Sparrow en el reboot de ‘Piratas del Caribe‘ que estaría planeando Disney. En este momento ya son más de 134.000 personas las que han firmado. La creadora pide que, «incluso si no te importa el tema», lo firmes para ayudar a aquellos que sí quieren que el intérprete vuelva a dar vida a uno de sus personajes más famosos.

Una historia que no termina

En mayo de 2016, la pareja formada por Depp y Heard se rompía tras un poco más de un año de matrimonio. Una noticia que inició una batalla legal feroz en la que las acusaciones de maltrato, abuso, violencia doméstica y difamaciones de todo tipo se lanzaban de un bando a otro y viceversa. Esta lucha legal no solo ha tenido consecuencias en su vida personal, sino también en la laboral, con campañas en contra del actor por haber fichado para ‘Animales Fantásticos: Los crímenes de Grindelwald‘.

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Este era el papelón que David Bowie iba a interpretar antes de su muerte

Todavía nos cuesta asumir que el Duque Blanco ya no está. Tanto en la música, como en el campo de la interpretación, el británico tuvo tiempo de demostrar que su talento no conocía límites. Así, el responsable de Starman o Modern Love también firmaba papeles memorables en “Dentro del Laberinto” (Jim Henson, 1986) o Twin Peaks (David Lynch, 1992).

Lo que no sabíamos es que el bueno de David Bowie estaba a punto de interpretar otro grandísimo papel antes de conocerse su muerte. Y es que la prematura desaparición del cantante y actor nos dejaba sin lo que habría sido el enésimo atractivo de Blade Runner 2049.

“Nuestro primer pensamiento fue David Bowie, quien ha tenido influencia en Blade Runner de muchísimas formas. Cuando nos enteramos de la triste noticia, nos pusimos a buscar a alguien parecido”.

Con esas declaraciones, el director Denis Villeneuve dejaba claro que el papel de Wallace había sido creado con la intención de que David Bowie se metiese en su piel. Sin embargo, la muerte del protagonista de Dentro del Laberinto obligaba a buscar un sustituto que terminaba por encontrarse en la figura de Jared Leto.



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El cine surcoreano de los 50 y los 60 protagoniza la retrospectiva del 68º Festival de Cine de San Sebastián – Noticias de cine

Organizado junto con Filmoteca Española, el programa incluye más de veinte títulos con películas de Im Kwon-taek o Kim Ki-young, entre otros.

La película La criada (1960), un thriller melodramático firmado por Kim Ki-young, está considerada una de las obras maestras de la historia del cine surcoreano y es también una de las joyas de esa cinematografía más conocidas por parte del público occidental, al haber circulado por festivales de cine tras ser restaurada a principios de la década de 2010. Ahora, el cine surcoreano producido en las décadas de 1950 y 1960, uno de los períodos mas fértiles de su historia, no será tan ajeno al público español gracias al ciclo retrospectivo que el Festival de San Sebastián y Filmoteca Española, en colaboración con Filmoteca Vasca y el Museo de San Telmo, están ultimando para la 68ª edición del Festival de San Sebastián

Bajo el título Flores en el infierno: la era dorada del cine coreano, la retrospectiva incluirá más de veinte títulos comprendidos entre los años 50 y 60, entre estos, la citada La criada, además de Flower in Hell (1958) y Aimless Bullet (1960); la comedia romántica A Female Boss (1959); el clásico familiar Romance Papa (1960); los melodramas The Daughters of Kim’s Pharmacy (1960) y Homebound (1967) o la ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Berlín The Coachman (1961), la primera película surcoreana galardonada en un festival internacional de cine, tal y como informa el Festival de San Sebastián en el comunicado de prensa que anuncia el ciclo. 

Centrado en la llamada “era dorada” del cine surcoreano, durante la dictadura militar de Park Chung-hee y justo después de la guerra de Corea que dividió la península en dos estados, el ciclo también incluye películas de género como el film noir con Black Hair (1964), el cine de terror y el thiller con The Devil’s Stairway (1964) y A Bloodthirsty Killer (1965) o el cine bélico que retrata el trauma de la división del país en North and South (1965). Otros títulos destacados, según explica la nota de prensa enviada por el certamen, son Farewell to the Duman River (1962), «una muestra de un género típicamente local como es el “western manchú”, cintas de aventuras ambientadas en Manchuria e inspiradas en el western americano»; «la fantasía surrealista The Empty Dream (1965) o el drama de inspiración modernista Mist (1967)».

5 películas que inspiraron ‘Parásitos’, de Bong Joon-Ho

El ciclo, por otra parte, también recupera la obra de las dos primeras mujeres directoras de la historia del cine surcoreano, Park Nam-ok (The Widow, 1955) y Hong Eun-won (A Woman Judge, 1962), así como el primer largometraje de animación producido en el país, A Story of Hong Gil-dong (1967).

Por último, la retrospectiva Flores en el infierno: la era dorada del cine coreano irá acompañado de un libro monográfico editado por el Festival y Filmoteca Española, y tras su paso por la 68ª edición del Festival de San Sebastián, viajará a Madrid, donde podrá verse en el cine Doré de Filmoteca Española durante los meses de octubre y noviembre.

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‘Indiana Jones 5’ está más cerca de lo que crees

Mientras promocionaba su nuevo film, ‘La llamada de lo salvaje’, Harrison Ford ha actualizado el estado de la largamente aplazada producción.

En los últimos tiempos, Harrison Ford se ha ido acostumbrando a regresar a los personajes que hicieron de él un mito viviente de la historia del cine. Volvió a ser Han Solo en Star Wars: El despertar de la Fuerza (y brevemente durante El ascenso de Skywalker), Rick Deckard en Blade Runner 2049, y antes ya se había transformado de nuevo en Indiana Jones para la cuarta entrega. Estrenada en 2008, Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal fue sin embargo muy discutida, y parecía necesario que el arqueólogo tuviera pronto un regreso algo más lucido.

Así es como llegamos a Indiana Jones 5, cuyo rodaje ha sido aplazado numerosas veces sin que el enevejecimiento del actor parezca echar por tierra los planes de Steven Spielberg. Hacía tiempo que no sabíamos nada del proyecto y de hecho el propio Spielberg parecía ocupado por otros asuntos (en breve estrenará su remake de West Side Story), pero Ford acaba de sorprender a propios y extraños revelando durante la promoción de La llamada de lo salvaje (estreno este 21 de febrero) que la quinta entrega de la saga empezará a rodarse el próximo abril, dentro de dos meses.

“Va a ser muy divertido. Son películas muy divertidas de hacer”, aseguraba Ford durante una entrevista en The Ellen DeGeneres Show. Más tarde, en la CBS Sunday Morning, dijo que le encantaba retomar sus personajes y que estaba muy concienciado con que Indiana Jones 5 mereciera la pena. “Cuando podemos hacer otra película es porque a la gente le ha gustado. Me siento obligado a asegurarme de que nuestros esfuerzos sean tan ambiciosos como cuando empezamos”, declaró.

El estreno de Indiana Jones 5 en EE.UU., que aún no tiene título definitivo, está programado para el 9 de julio de 2021, aunque lo más lógico es que acabe siendo aplazado.

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Harrison Ford confirma que en breve comenzará el rodaje

Recientemente la presidente de LucasFilm, Kathleen Kennedy, confirmó que Indiana Jones 5 estaba en marcha, y además comentó que sería una secuela directa de nuevo con Harrison Ford al frente del reparto, lo que nos alegró mucho. Kennedy comentó:

Será una secuela y continuará un tiempo después de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal. Harrison va a estar implicado, no puede esperar a que comencemos. Sólo un actor será Indiana Jones y es Harrison Ford.

Pues bien, ahora es el propio Ford el que ha confirmado que queda poco para que comience el rodaje, dejando claro que está emocionado con la idea de regresar a este papel, agradeciendo también a todos sus fans que están atentos a cualquiera de sus proyectos:

Ford actualmente tiene actualmente 77 años, y la primera aventura del héroe (En busca del arca perdida) la rodó cuando tenía 39 años, algo que no impidió que protagonizara Indiana Jones y el templo maldito tres años después y que volviera en Indiana Jones y la última cruzada con 47 años. La última vez que interpretó al personaje fue en Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, cuando ya había cumplido los 66 años. Veremos cómo desarrollan la historia de esta película para que no tenga “demasiada” acción para él.

Según comentó, en dos meses comenzará el rodaje de Indiana Jones 5 con la intención de estrenarse en cines en julio de 2021.

Fuente: CBS

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‘Stranger Things’ revela dónde está Hopper en el teaser de su temporada 4

Las temporadas de Stranger Things suelen acabar con un último interrogante que se deja abierto de cara a la siguiente entrega. Con la tercera, que Netflix estrenó el pasado verano, lo que nos quedó fue la insinuación de que Hawkins no era el único lugar desde el que acceder al Mundo del Revés, sino que había otro portal en la localidad rusa de Kamchatka, donde los soviéticos escondían además a un preso al que llamaban “el americano”. En el nuevo teaser de la cuarta temporada de la serie, que la plataforma acaba de publicar, se resuelve por fin el enigma.

El avance que ya habíamos visto nos aseguraba que “ya no estamos en Hawkins”, fuera lo que fuera lo que significase eso. Con este nuevo teaser, la cosa queda bastante más clara: el prisionero estadounidense no es otro que el sheriff Hopper (David Harbour), al que creíamos haber visto morir en la explosión del laboratorio de los rusos al final de la tercera temporada. Si el personaje está cautivo en la tundra siberiana, lo que es seguro es que la trama de esta cuarta entrega nos mostrará cómo acabó allí y qué está haciendo.

En el teaser lo vemos formando parte de un grupo de trabajo que, de una forma u otra, debe de estar sirviendo al interés de los rusos por acceder al Mundo del Revés y aprovecharlo para algún propósito. Mientras tanto, sabemos que el grupo protagonista se ha separado (como vimos en esa emotiva secuencia de despedida), quedando Mike y compañía en Hawkins y mudándose la familia Byers y Eleven en busca de un nuevo comienzo. Si, como rezaba ese otro teaser, ya no estamos en Hawkins, entendemos que el protagonismo se repartirá entre este último grupo y el policía cautivo; pero para confirmar las sospechas habrá que esperar, porque la cuarta temporada de Stranger Things aún no tiene fecha de estreno.

Las tres temporadas de ‘Stranger Things’ están disponibles completas bajo demanda en Netflix.

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Nuevas series, películas y documentales

Netflix nunca pierde la vista al futuro y ya están confirmadas varias producciones originales que llegarán a su catálogo durante el mes de marzo pese a que todavía estamos a mediados de febrero.

A continuación vamos a repasar todas las novedades que llegarán a Netflix España en marzo de 2020, empezando por las series, continuando por las películas y acabando con los documentales, e iremos actualizando a medida que se confirmen otros títulos. Entre ellas sobresalen los regresos de ‘Élite’ y ‘Castlevania’ o el lanzamiento de ‘Carta al rey’.

Todas las series y programas que llegan a Netflix

‘Self Made: Inspired by The Life of Madam C.J. Walker’

Octavia Spencer lidera esta miniserie sobre Madam C.J. Walker, una exitosa empresaria considerada la primer mujer afroamericana que se convirtió en millonaria gracias a sus esfuerzos. Carmen Ejogo, Tiffany Haddish, Keeya King, Garrett Morris y Blair Underwood también aparecen en sus cuatro episodios.

Estreno 20 marzo

‘Carta al rey’

Nueva serie fantástica de Netflix que cuenta en su reparto con Andy Serkis, Amy Wilson, Rubt Serkis, Gjis Bloom y Thadrea Graham. Adapta un popular libro holandés de Tonke Dragt sobre un joven que recibe la misión de entregar un mensaje secreto, algo de lo que depende el futuro del reino.

Estreno 20 marzo

‘Unorthodox’

Unorthodox

Nueva serie alemana de los creadores de ‘Deutschland 83’ que cuenta la historia de una joven mujer judía que huye a Alemania de su matrimonio concertado, pero no será tan fácil dejar su pasado atrás.

Estreno 26 marzo

  • ‘Élite’ T3: sin fecha concreta
  • ‘Castlevania’ T3: 5 marzo
  • ‘Paradise Police’ Parte 2: 6 marzo
  • ‘El protector’ T3: 6 marzo
  • ‘The Circle Brasil’: 11 marzo
  • ‘Beastars’: 13 marzo
  • ‘Kingdom’ T2: 13 marzo
  • ‘Ozark’ T3: 27 marzo

Todas las películas que llegan a Netflix

‘Spenser Confidential’

Nueva colaboración entre el director Peter Berg y el actor Mark Wahlberg y una de las primeras grandes apuestas cinematográficas de Netflix en 2020. Cuenta la historia de un antiguo policía que acaba de salir de la cárcel y se prepara para abandonar Boston, pero su antiguo entrenador de boxeo le convence para ayudarle con un prometedor novato.

Estreno 6 marzo

‘Chicas perdidas’

Adaptación de la novela de Robert Kolker sobre una mujer que decide pasar a la acción cuando hija desaparece y la policía no la ayuda demasiado. Acabará destapando una trama de trabajadoras sexuales que han sido asesinadas. Dirige Liz Garbus y en su reparto veremos a Amy Ryan, Thomasin McKenzie, Lola Kirke, Gabriel Byrne y Oona Laurence.

Estreno 13 marzo

  • ‘Tigertail’: sin fecha concreta
  • ‘Ultras’: 20 marzo

Todos los documentales que llegan a Netflix

‘Dirty Money’ T2: 11 marzo

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Rick Cosnett (‘The Flash’) revela que es gay en un post de Instagram: «Me he prometido vivir mi verdad todos los días»

Rick Cosnett ha aprovechado el día de San Valentín para quererse un poco más. «Hola a todos… pausa dramática. Eh, soy gay». Así comienza su pequeño discurso en un reciente post de Instagram. «Solo quería que todos lo supierais porque me he prometido a mi mismo vivir mi verdad todos los días y a veces es difícil hacerlo cuando tienes todas esas cosas subconscientes que ni tú conoces de tu infancia, la sociedad y la vida en general. Ahí lo llevas. Estoy seguro de que la mayoría ya lo sabia de todas formas. Y… eso. Es todo lo que quería decir», sin dejar de sonreír de felicidad en ningún momento.

El actor australiano es conocido por su interpretación del personaje de Eddie Thawne en ‘The Flash, el de Wes Maxfield en ‘Crónicas vampíricas‘ y Elias Harper en ‘Quantico‘. Como detalle curioso: el actor es primo de Hugh Grant.

El mejor día posible

Es una muy buena noticia que lo haya hecho público motu propio. Además, en el día de San Valentín. El video ya ha conseguido más de 1.800 comentarios de apoyo al actor cuando se escriben estas palabras. Los compañeros de ‘The Flash’ como Candice Patton o Danielle Panabaker, entre otros, ya le han mostrado su apoyo en los comentarios de la publicación.

El personaje que interpreta en ‘The Flash’ es detective en la policía de Central City y es uno de los aliados de The Flash y su equipo. Tiene una curiosa relación con el Profesor Zoom, siendo una de las tramas clave de su personaje. Apareció en la primera temporada como uno de los personajes principales, siendo un invitado en la segunda y tercera. La serie ha sido renovada para una séptima temporada.



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20 llamativos gazapos en películas famosas (Parte I)

 

Contratas a los mejores, tienes un presupuesto mastodóntico, tu script es el más respetado de la industria y luego te ocurren estas cosas… El cine está plagado de errores llamativos. Puede que en un primer visionado muchos se pasen por alto, pero lo cierto es que en las producciones más aclamadas podemos encontrar cámaras, objetos móviles, reparaciones milagrosas, miembros del equipo y un sin fin de gazapos descomunales entre los que hemos seleccionado estos 20 gracias a moviemistakes..

 

– Batman Begins: El cuadro que se limpia solo

– El Caballero Oscuro: Una cámara en el plano

2

– Pulp Fiction: Balazos antes de disparar

4

– Mentiras Arriesgadas: El doble de Arnold Schwarzenegger

18

Misión Imposible 2: El cinturón de seguridad mágico

5

– Terminator 3: El número de la aeronave

6

– 300: La hebilla del Oráculo

7

– Zombieland: El estilo de la letra

8

– Indiana Jones y la última cruzada: La sangre de Indi

9

– Transformers 3: La gorra móvil

10



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‘Hasta que la boda nos separe’ se inspira en una famosa comedia francesa, ‘La wedding planner’ – Noticias de cine

Puedes disfrutar de la cinta de Dani de la Orden en pantalla grande desde el 14 de febrero.

Hasta que la boda nos separe, la nueva comedia de Dani de la Orden, llega hoy a los cines españoles para celebrar el amor y desamor a partes iguales. Esto de las relaciones probablemente sea el tema más universal y prueba de ello es que la película se basa en una famosa película francesa de 2017, La wedding planner.

La trama es exactamente la misma. Mathias y Alexia llevan juntos varios años cuando él le pone los cuernos con Juliette, una planificadora de bodas que no cree en el amor. Alexia descubre la tarjeta de la ‘wedding planner’ y se cree que su novio está preparando su boda, algo que Mathias tampoco desmiente.

La versión española cambia algunos detalles -aunque el nombre de Alexia se mantiene- y, por supuesto, el humor ha sido adaptado a nuestro país, pero no hay duda de que la inspiración francesa está presente en la cinta. El filme de Reem Kherici cosechó buenas críticas y buenos números en taquilla en su estreno en Francia, por lo que esperamos que la española siga el mismo camino. Si te entra curiosidad esta versión original, puedes encontrarla en Netflix.

Hasta que la boda nos separe está protagonizada por Álex García (Carlos), Belén Cuesta (Marina), Silvia Alonso (Alexia), Adrián Lastra (Ben), Mariam Hernández (Irene) y Antonio Dechent (Arturo), entre otros, protagonizan esta cinta sobre «cobardes» en la crisis de los 30 -según las palabras del propio director-. Ya está en cines.

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La dirección de la Academia de Cine francés dimite en bloque a dos semanas de la gala de los Premios César

El próximo sábado 28 de febrero se celebrará la 45 edición de los Premios César, pero lo hará envuelta en una de las mayores crisis por las que ha pasado nunca la Academia de las Artes y Técnicas del Cine de Francia, encargada de expedir los galardones. Y es que El oficial y el espía de Roman Polanski parte con 12 nominaciones, el desencadenante de una polémica que, según recogen medios como BBC, ha acabado derivando en la dimisión en bloque de la directiva, encabezada por el productor Alain Terzian.

Terzian es el presidente de la Academia desde 2003, y pese a haber declarado su intención de modernizar el funcionamiento de esta en varias ocasiones, casi dos décadas después de su nombramiento el 65% de los integrantes son hombres, mientras que en la Asamblea General sólo hay ocho mujeres entre los 47 miembros, y seis entre las 21 personas que conforman el Consejo de Administración. Una estructura que, en opinión de muchos, ha derivado en las 12 nominaciones de El oficial y el espía (junto con Los miserables de Ladj Ly, la que opta a más premios en esta edición).

El descontento definitivo ante la gestión de la Academia, y la insensibilidad que mostraba al honrar de esa forma a una personalidad tan controvertida como la de Polanski, empezó a gestarse a mediados de enero. Durante un evento de la Academia la directora Claire Denis y la escritora Virginia Despentes fueron excluidas pese a ser las mentoras de dos actores (algo que según las normas del organismo debería permitirlas asistir y dar discursos), lo que granjeó las primeras críticas por parte de voces como Robin Campillo y Louis Garrel.

Semanas más tarde cerca de 200 personalidades del cine francés firmaron una petición criticando duramente a la Academia por la opacidad de las cuentas, lo desfasado de sus estatutos y el autoritarismo de una gestión que nunca ha tenido en cuenta las nuevas voces demandando paridad, diversidad y democracia. “No tenemos ni voz ni voto, ni en el funcionamiento de la Academia ni en la organización de la ceremonia”, denunciaban artistas como Bertrand Tavernier, Omar Sy, Léa Seydoxu, Michel Hazanavicious, Jacques Audiard o Arnaud Desplechin.

Margen para la mejora

En opinión del entorno cultural francés, la Academia está desfasada, y las quejas que han acabado conduciendo a la dimisión de Terzain y sus allegados han sido secundadas por el propio Ministro de Cultura, Frank Riestar.  “Esta dimisión colectiva permitirá realizar una renovación completa”, ha declarado la actriz Marine Fois, otra de las firmantes de la petición. El organismo ha emitido recientemente un comunicado explicando su decisión, y su firme propósito de “honrar a quienes hicieron películas en 2019, recuperar la serenidad y hacer de los César una celebración del cine”.

La salida de Terzain debería implicar “una renovación completa de la dirección”, que no será ejecutada hasta poco después de la entrega de los César, celebrándose dentro de dos semanas. No parece, sin embargo, que esta decisión vaya a impedir que la celebración  sea boicoteada por grupos activistas como Osez le Féminisme, que ya ha anunciado su intención de concentrarse en las puertas del evento para protestar por las 12 nominaciones de El oficial y el espía. De hecho, ya consiguieron parar en su momento  el prestreno del film de Polanski.

En una carta abierta en Le Parisien, varios manifestantes declaraban que “con esas doce nominaciones el mundo del cine apoya incondicionalmente a un violador fugado que reconoce haber drogado y violado a una niña de 13 años y que ha huido de la justicia”. La Academia justificó en su momento esta decisión argumentando que los César no tienen “posiciones morales”, pero que este tipo de protestas haya derivado en la dimisión de su directiva es tan elocuente como que 12 sea tanto el número de nominaciones de El oficial y el espía como de mujeres que han denunciado a Polanski por acoso sexual.

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Reportaje fotográfico y detalles del DVD

Ya está disponible en formato físico O que arde (Lo que arde),  y gracias a Cameo os ofrecemos más detalles y un reportaje fotográfico de su edición en DVD, que es la única que ha salido a la venta.

Con una profunda huella de sus orígenes como documentalista, el director gallego Oliver Laxe se mueve a caballo entre este género y la ficción para construir su tercer largometraje, que fue galardonado con el Premio del Jurado en la sección Un certain regard del pasado Festival de Cannes, se alzó con 2 premios Goya (Mejor fotografía y Mejor actriz revelación) y consiguió cinco nominaciones a los premios Feroz, además de los parabienes, casi unánimes, de la crítica cinematográfica.

Con tono documental, Laxe retrata un modo de vida en vías de extinción, una Galicia rural que subsiste en los escasos habitantes de pequeñas aldeas que guisan en cocinas de lumbre, pastorean sus vacas, llaman al veterinario cuando se enferman, acuden en masa a los entierros y comparten los pocos momentos de asueto en el bar del pueblo. Alternando con largas secuencias de deleitación en el paisaje, Laxe nos presenta a sus dos personajes centrales: Amador y Benedicta.

Nadie espera a Amador cuando sale de la cárcel tras cumplir condena por haber provocado un incendio. Regresa a su casa, una aldea perdida de las montañas lucenses, donde volverá a convivir con su madre Benedicta, su perra Luna y sus tres vacas. Sus vidas transcurren al ritmo sosegado de la naturaleza, hasta que todo cambia cuando un fuego violento arrasa la zona.

O que arde (Lo que arde) es una película diferente a la norma del panorama cinematográfico español, una propuesta con escasas pretensiones de hacer caja en las taquillas pero movida por un ánimo artístico que se fundamenta en un estilo contemplativo y en un ritmo pausado, para poner todo su vigor en la fuerza poética de sus imágenes, algo que consigue con creces al ofrecer, al menos, media docena de secuencias de enorme belleza poética como la cadenciosa tala de eucaliptos que da inicio al film o, próximo al final, el homenaje a Tarkovski con ese caballo ciego que galopa a la deriva ante la estupefacción de los agotados aldeanos. Portentosa es también la filmación del incendio que ocupa el tercio final del film cuyos detalles sería interesante conocer en algún “así se hizo” de cuya existencia no tengo noticia.



Edición:

La edición DVD de O que arde (Lo que arde) está presentada en un estuche amaray translúcido, con el póster en la portada, mientras que la contraportada nos presenta una selección de imágenes de la misma junto a los datos técnicos, artísticos y sinopsis. En el interior nos encontramos el disco DVD serigrafiado con una imagen de los dos protagonistas absolutos de la película.


Imagen y sonido:

El disco DVD nos presenta la película con una relación de aspecto de 1:85:1, es decir, llenando casi por completo la pantalla de televisión, sin apenas grosor en las franjas negras superior e inferior. A nivel sonoro, incluye la pista en versión original en Gallego en Dolby Digital 5.1 con subtítulos en Español, Catalán e Inglés. 

Características técnicas DVD:

  • Audio: V.O. Gallego 5.1.
  • Subtítulos: Español, Catalán e Inglés.
  • Formato pantalla: Panorámica 16/9.
  • Formato imagen: 1.85:1.
  • Duración: 82 minutos.

Contenido adicional:

Esta edición DVD incluye los siguientes extras:

  • Amador (0:00:28). Teaser de la película centrado en el personaje de Amador (el que ama), con opción de verlo con textos en Español o Gallego.
  • Benedicta (0:00:28). Teaser de la película centrado en el personaje de Benedicta (la bendecida), con opción de verlo con textos en Español o Gallego.
  • Fuego (0:00:26). Teaser de la película centrado en lo que podría ser el tercer personaje de la película, el fuego, e incluye opción de verlo con textos en Español o Gallego.
  • Galicia (0:00:25). Teaser de la película dedicado a Galicia, con opción de verlo con textos en Español o Gallego.
  • Tráiler oficial (0:01:34). Tráiler oficial de la película con opción de verlo con textos en Español o Gallego.

 

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Así se hizo: Alicia Florrick

Ya tenemos fecha para la vuelta de . Vuelve Diane Lockhart en abril. la muestra compareciendo ante las cámaras. Así empezaba The Good Wife, la otra serie, la previa. No sé si decir ya que The Good Fight es mejor serie que The Good Wife. Lo que afirmo sin problemas es que Alicia Florrick sigue siendo mejor personaje que Diane. Porque le dio tiempo a serlo. La Florrick es una de las razones por las que una serie muy seriada tiene sentido: todos y cada uno de los capítulo necesarios para construirla fueron eso, necesarios.

“Yo es que no puedo verme una serie de siete temporadas”, me dijo ayer una fan de las miniseries. Yo tampoco suelo poder (o querer), pero la televisión bien seriada da unas recompensas que las series limitadas no pueden permitirse. The Good Wife es una de esas ficciones que justifica su longitud y el papel de Julianna Margulies, la mejor prueba de que un personaje completo necesita tiempo para poder mostrarse en toda su complejidad.

Discutía ayer sobre la mezquindad de Alicia Florrick (¿hay algo más innoble que dejar con el culo al aire a los que creían ser tus amigos?) y sobre cómo su serie lograba que empatizases con ella: con su elitismo, con su envidia, incluso con sus peculiares ritmos sexuales. O con su alcoholismo de baja intensidad. Alicia es mezquina, pero The Good Wife justifica esa indecencia y coloca el espectador ante el espejo para decirle que quizá él sea también un poco Florrick, que igual él también podría vender a sus amigos. O darle al frasco demasiado sin darse cuenta.

Pequeño spoiler (aunque no temáis, lo descontextualizaré): una de las escenas culminantes del cierre de The Good Wife es el bofetón que Diane le suelta a Alicia. Esto, que en el piloto de la serie habría sido absolutamente marciano, 156 episodios después se escribe solo. Diane lo exige y Alicia se lo ha ganado. El epílogo se titula End. A esas alturas, la serie está tan pulida y es tan perfecta que cerrar con un título así de minimalista es quizá la única opción. Enfrentarse a siete temporadas da pereza, lo sé, pero hacedme caso: compensa.

‘The Good Wife’ está disponible completa en Amazon Prime Video.



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Netflix presenta el tráiler de la esperada temporada 3 de la adaptación del videojuego

El próximo estreno de la tercera temporada de ‘Castlevania‘, la serie animada de Netflix, ya tiene primer tráiler oficial para abrir boca con lo que podemos esperar de la serie que ha cambiado la cara a las adaptaciones de videojuegos. Escrita por el guionista de cómics Warren Ellis, la producción y creación del concepto sigue corriendo a cargo de Adi Shankar.

Según sinopsis oficial de la temporada 3 de ‘Castlevania’: “Trevor Belmont, último sobreviviente de su casa, ya no está solo, y él y sus camaradas inadaptados compiten para encontrar una manera de salvar a la humanidad de la extinción a manos del enloquecido Drácula y su siniestro consejo de guerra de vampiros«. Veremos si esa trama se ve tan espectacular y salvaje como en el tráiler, pero de momento se sabe que contará con diez episodios, a diferencia de los cuatro de la primera temporada y los ocho en la segunda.

Este anime se basa en el videojuego ‘Castlevania III: Dracula’s Curse‘ de 1989, ambientado en 1476, sobre un cazador de vampiros llamado como Trevor Belmont que en el final de la temporada anterior derrota a Drácula, lo que no supone el final de la lucha contra los demonios de la oscuridad. Nuevas fuerzas buscan tomar el trono del rey de la noche con Alucard y Camilla urdiendo planes para tomar el poder y eliminar humanos dispersos que dejó el reinado del terror de Drácula.

La llegada del tráiler vino acompañada del primer poster oficial de la temporada, que muestra los personajes que forman parte de esta nueva historia, junto con la fecha de estreno del próximo 5 de marzo. ‘Castlevania‘ pertenece a Frederator Studios, parte de Wow! Unlimited Media Company, y está producida por Warren Ellis, Kevin Kolde, Fred Seibert y Adi Shankar.



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